La Virgen con el niño del pintor italiano Roberto Ferruzzi es una de las más conocidas del mundo y se cree que la más reproducida. Todo ello a pesar de no haber sido pintada por uno de los grandes artistas de la historia y que en estos momentos se desconoce donde se encuentra la pintura original, si es que sigue existiendo.

Sin embargo, detrás de esta imagen de la Virgen, que originariamente no fue pintada como tal, hay una historia muy llamativa y eso que apenas tiene poco más de un siglo. El conocido periodista Antonio Socci la recoge de manera pormenorizada en este artículo en su página web:

El misterio de la Virgen más famosa del mundo, una maraña de vidas

Es extraño: la Virgen con niño más popular y difundida en el mundo en el siglo XX, fue pintada por un italiano. No uno de los grandes de nuestra pintura, como Botticelli, Rafael, Leonardo, Caravaggio o Bellini, sino por un pintor nacido en 1853 y que muy pocos conocen: Roberto Ferruzzi.

Se dice que es la imagen sagrada más reproducida en el mundo (incluso en un sello de Dubai), pero no se sabe dónde está el cuadro original. Precisamente, para encontrarlo, hace unos días se hizo un insólito llamamiento en el programa de Rai3, Chi l’ha visto? (¿Quién lo ha visto?”).

En espera de que se resuelva el misterio, detrás hay una historia que hay que contar y que, desde Venecia, llega hasta las dos Américas. Una conmovedora maraña de vidas.

Roberto Ferruzzi nació en Sebenico, en Dalmacia, territorio que antiguamente formaba parte de la república de Venecia y que, en el siglo XIX, estaba bajo dominio del imperio de los Hagsburgo. Su padre, rico abogado, fue administrador público de la ciudad. Roberto estudió humanidades y después Derecho en la correspondiente facultad, en Padua.

Sin embargo, su verdadera pasión era la pintura. Así que en 1879 decidió mudarse a vivir a las Colinas Euganeas, en Luvigliano, donde se dedicó a pintar, reuniendo a su alrededor un cenáculo de amigos y artistas.

El pintor no tenía la intención de pintar una Virgen con niño, sino sólo una imagen de ternura materna; de hecho, lo tituló Maternidad.

Se cuenta que un día le pidió a una muchacha del lugar, Angelina Cian, que posara para él mientras sostenía en sus brazos a su hermanito de pocos meses. Ella era la segunda de quince hijos. El Véneto del siglo XIX era una tierra pobre y en las familias de campesinos, las hijas mayores hacían de madres a sus hermanos más pequeños.

El cuadro ganó en 1897 la segunda Bienal de Venecia y se hizo famoso, por lo que fue vendido en varias ocasiones, a un precio muy alto, hasta que fue adquirido por los hermanos Alinari, los célebres fotógrafos de Florencia, que a su vez lo vendieron, pero no se sabe a quién (no hay constancia del nombre en los archivos).

Parece ser que acabó en manos de un embajador americano que lo envío a Estados Unidos en una nave que, durante la Segunda Guerra Mundial, fue hundida por los alemanes, por lo que el cuadro se perdió. Sin embargo, hay quien afirma que el cuadro en realidad llegó a destino y que forma parte, aún hoy, de una colección privada en Pensilvania.

Hay que decir que los Alinari, al venderlo, se reservaron todos los derechos de reproducción de la obra al intuir su potencialidad.

Fue precisamente a causa de sus reproducciones fotográficas que esta obra se difundió de manera tan extraordinaria, convirtiéndose rápidamente en un icono sagrado, una Virgen con niño, porque la Italia de esa época era católica y vio enseguida, en esa joven con el niño, a la Madre de Jesús.

Mientras tanto, Angelina, ya adulta, se había casado con el veneciano Antonio Bovo, con el que se había trasladado a California en 1906. El matrimonio tuvo diez hijos, pero la prematura muerte de su esposo dejó a la joven viuda en una situación durísima.

No se sabe qué ocurrió: tal vez un derrumbe psicológico, un agotamiento nervioso, la cuestión es que Angelina acabó en un manicomio, donde murió en 1972.

Los hijos crecieron en un orfanato. La segunda hija, que llevaba el nombre de la Virgen, María, al crecer eligió la vocación religiosa y se hizo monja con el nombre de Ángela María Bovo (quiso el nombre de Ángela en honor a su madre).

Fue en 1984, durante un viaje que hizo a Italia, a Venecia, para conocer a los familiares de sus padres, cuando la religiosa descubrió, gracias a sus ancianas tías, que su madre había sido la modelo de la imagen de la Virgen más famosa del mundo.

Hay otro lado de la historia. El pintor Roberto Ferruzzi murió en 1934 en Luvigliano, donde aún lo consideran una gloria local y donde cultivan la esperanza de encontrar el cuadro original de la Virgen (ha sido esta ciudad la que ha lanzado el llamamiento en ¿Quién lo ha visto?).

En Venecia vive y trabaja un bisnieto del pintor, que lleva su mismo nombre. Roberto Ferruzzi jr., galerista y experto en arte, me cuenta la historia de su familia: “Mi abuelo Ferruccio, hijo del pintor de la Virgen, era anticuario. Al ser un irredentista (del término italiano irredentismo, de ‘irredento’, “no liberado”; hace referencia, en sentido estricto, al irredentismo italiano, un movimiento político italiano posterior a 1870 que reivindicaba para el Reino de Italia las tierras “no rescatadas” del Imperio austrohúngaro -Dalmacia, Istria, Trentino- y más tarde, por extensión, de todos los territorios que se consideraban italianos), vendió todas las propiedades que tenía en Sebenico y combatió contra Austria, como voluntario, en la Primera Guerra Mundial”.

Al hijo de Ferruccio, nacido en Venecia en 1927, se le impondrá el nombre de Roberto, como su abuelo, y como él pondrá, después, a su hijo (el galerista veneciano).

También el segundo Roberto Ferruzzi (Bobo para los amigos) fue pintor. Hizo distintos viajes a diferentes países y continentes y se especializó en grandes mosaicos murales. En 1957 fue a América Latina, trabajando sobre todo en Chile donde representó en sus cuadros la vida cotidiana de la gente pobre que, en esos años, veía en todas las esquinas de las calles. Los últimos, los abandonados.

Fue debido a esto por lo que conoció y entabló amistad con el más grande de los poetas chilenos, Pablo Neruda, que recibió el Premio Nobel de Literatura en 1971.

Roberti Ferruzzi jr, que nació precisamente en Santiago de Chile, recuerda: “Sí, Neruda era amigo de mi padre. Recuerdo que, cuando era embajador en París, venía a casa a vernos. Ambos compartían una especial sensibilidad hacia los más pobres”.

En 1966 Neruda, con ocasión de una exposición en Santiago de su amigo Bobo Ferruzzi, escribió:

“Bobo Ferruzzi, veneciano, descubrió esta América dolorosa, la sintió, la vivió y la expresó con energía y ternura. Porque hay amor en la visión de este veneciano amargado. Ha pintado con colores clásicos, los mismos que lucían en las túnicas los ángeles, la tristeza de los recovecos remotos, de los hombres maltratados y olvidados. Que el intenso mensaje de Bobo Ferruzzi narre y cante en el mundo, porque la verdad de su pintura nos descubre la trágica belleza que los dioses transitorios desearían esconder. Y no para que los pueblos no sufran, sino para que no se sepa. La pintura de Bobo Ferruzzi ha roto los candados y ha iluminado los rincones con una luz azul”.

En el fondo, también el abuelo -pintando a Angelina y su hermanito- había inmortalizado la pobre gente del Veneto del siglo XIX con la luz del cielo.

Esa imagen es el icono de una pobre muchacha judía que en Nazaret, hace dos mil años, se convirtió en la Madre de Dios: era a ella a la que rezaban, y a la que amaban, los pobres del Véneto del siglo XIX y los del Chile del siglo XX.

La Madre de los pobres y de los olvidados había cantado

Proclama mi alma la grandeza del Señor,
se alegra mi espíritu en Dios, mi salvador;
porque ha mirado la humillación de su esclava.
Desde ahora me felicitarán todas las generaciones,
porque el Poderoso ha hecho obras grandes por mí:
su nombre es santo,
y su misericordia llega a sus fieles de generación en generación.
Él hace proezas con su brazo:
dispersa a los soberbios de corazón,
derriba del trono a los poderosos
y enaltece a los humildes,
a los hambrientos los colma de bienes
y a los ricos los despide vacíos.

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Fuente: Cari Filii
(Traducción de Elena Faccia Serrano)

Florencia Campili no es una artista profesional, por lo que la obra que salió de sus manos tiene doble mérito.

Este retrato del Sagrado Corazón de Jesús tiene algo especial. Nos da una alegría inmensa el verlo, nos cambia el estado de animo, nos da la certeza de que El es nuestro amigo.

Les presentamos esta hermosa obra, y el testimonio de Flor, quien tuvo la Gracia de ver surgír de sus manos al Mismo Señor.
(Click en la imagen para agrandar)

Testimonio de la pintora, Florencia Campili

A principios de la pandemia teníamos pocas certezas, pero estaba claro que algo se venía, y que íbamos a tener que dar batalla.

En esos días recibí un envío de Reina del Cielo que hablaba del “Détente”, la devoción al Sagrado Corazón de Jesús que ya nos ha salvado de pandemias a través de la historia.

Realmente ante una plaga, absolutamente inexplicable (inclusive meses después) ¿Qué mejor que el Sagrado Corazón de Jesús para refugiarnos?

Como en casa no teníamos impresora encargué unos detentes de tela online, pero tenían un mes de demora y yo a Jesús lo quería en casa YA. Esa urgencia me trajo la idea de fabricarlos nosotros mismos, y con mi hijo preparamos en la cocina hojas y lápices para dibujarlo.

Y no se lo que pasó, porque hacía mas de 8 años que no tocaba un pincel, que se me ocurrió ir a la baulera y agarrar una tela que tenia desde no sabemos hace cuantos años esperando con su plástico puesto que recordara agarrarla.

Miré mi caja de pinturas, mis viejos pinceles, y llevé todo a la cocina. Decidida, como si fuera una tarea sencilla. Iba a hacer un detente, no me importaba cómo, pero el Corazón de Jesús iba a estar en casa.

Pero claro, la tela era enorme, y hacer un corazón enorme era extraño, además, qué hermoso sería si además del corazón pudiera ver el rostro de Nuestro Señor. ¿Cuánto mejor no?

Y aquí la locura del amor, porque cómo se me va a ocurrir a mi, que pasé 8 años sin pintar, casi sin formación mas que algunos talleres y 3 materias cursadas y abandonadas de Bellas Artes, que podría pintar a Nuestro Señor incluyendo no solo Su Santo Rostro sino también Sus Santas Manos enllagadas, Su Santa Herida, Su Sagrado Corazón.

Si lo hubiera pensado un segundo, hubiera dicho que no. Si me hubiera importado lo feo que me iba a quedar, hubiera dejado todo tirado. Pero nada de eso me importó porque lo que me movió fue la urgencia de estar con Él. Cara a cara, aunque sea a través de un retrato mal hecho, pero desde el fondo de mi corazón. Si la Pintura de un niño nos conmueve, aunque es imperfecta ¿por qué a Él no lo conmovería el mejor esfuerzo de una hija que solo quiere amarlo más?

Entonces le pedí que por favor me ayudara, que los santos del cielo en especial Santa Margarita de Alacoque -que es mi santa del año- me guiaran. Ellos que lo ven todo el tiempo, que me soplaran y guiaran las manos para hacerlo lo más hermoso que pudiera. Le pedí a mi abuelo que era artista y ahora si Dios quiere está en el cielo, a mi ángel de la guarda, al Espíritu Santo y le dije las palabras que me trajeron grandes desvelos: si me ayudás a hacerte hermoso prometo que no se lo muestro a nadie.

En menos de unas horas tenia el rostro del Señor. Lo vi y me derretí de amor, y es gracioso hablar así de algo que pinté yo, pero es verdad. Lo miré y supe que lo que tenia enfrente mío era de Dios. Todo el lienzo estaba blanco, y Su Rostro iluminado.

Hice todo lo que me enseñaron en mi corta formación que no hay que hacer. Siempre me decían: “No empieces por los detalles, hacé todo y vas perfeccionando de a poco.” Pero no, imposible. ¿Cómo no quedarse en los detalles cuando estás descubriendo el Santo Rostro del Señor?

A partir de ese día todo fue seguir largas horas intentando que lo demás acompañara dignamente al rostro. Su manto, Sus manos, Su Sagrado Corazón. Las manos al principio eran diminutas, después enormes, tardes enteras que terminaban en una mancha borroneada, llena de frustración y enojo. Tardes de fin de semana, y largas horas que me reprochaba no dedicar a mi hijo después de una semana de arduo trabajo. Pero El me seguía mirando, y la urgencia seguía quemando mi corazón así que detenerme no era opción.

Yo quería que Sus manos sean hermosas. Eran las manos de Dios. ¿Cómo bajar la exigencia cuando se trata del Señor? Nunca había pintado manos, mas que una o dos y de niños y que nunca me habían quedado bien. Busqué en todos los modelos de imágenes del Sagrado Corazón que hay en internet, pero ninguna era como yo me la imaginaba. Así que le pedí a mi marido que me ayudara con la postura. Vi tutoriales de internet para ver còmo se hacían las manos, pero todo esfuerzo parecía en vano. De pronto, no se cómo, se resolvieron.

En general, cuando lo miro, todo me resulta imposible.

Se acercaba su fiesta el 19 de junio, nunca pensé que iba a llegar a esa fecha así, porque siempre que pinté años atrás mis proyectos no duraban más que una semana. Pintaba a los apurones como queriéndome sacar de encima un cuadro para empezar con otro. Pero esto era distinto. Cada instante que pasaba frente a El, me llenaba el corazón. No era para mostrárselo a nadie, sino que era un secreto entre Dios y yo.

Pero quedaba poco tiempo y empecé a tener pesadillas, insomnio todas las noches, y mucha angustia. De pronto empezó la novena al Sagrado Corazón de Jesús que empezaron a enviar también de Reina del Cielo, la empecé a recibir por celular y era como si cada imagen del día, que era una representación diferente, me diera una respuesta o un impulso a completar alguna parte que me faltaba: un pliegue del manto, el fuego…

El fuego llegó a menos de una semana de la fiesta. Me había vuelto loca igual que con las manos. Y otra vez pensaba: ¡qué incapaz soy de pintar fuego! ¡Quién me manda a hacer fuego! ¿Cómo hacer un fuego santo sin que se vea infernal? Soñé una noche entera con el fuego, hasta que recibí ese envío. ¡Era perfecto! Parecía un rompecabezas que se iba armando a medida que iban llegando las piezas.

Llegó la fiesta del Sagrado Corazón, y en casa fue una verdadera fiesta, ¡con torta, velita y todo! ¡Tenerlo en casa es para nosotros un regalo tan grande!

Que realmente sentí que me excedía. Si bien yo le dije que no lo iba a mostrar, algo adentro mío empezó a dudar.

¿Por qué no compartir? ¿Está bien que lo guarde para mi?

Consulté con mi gran faro espiritual Oscar, y me convenció de mostrarlo. Con sentimientos encontrados, con gran miedo de decepcionar a Mi Señor, pero con esa misma urgencia en el corazón que tuve para traerlo a casa de compartirlo con otros.

Dudé mucho de si solo yo veía esa mirada amorosa, ese gesto de “Ven y sígueme”, y de si me había vuelto completamente loca.

Pero la esencia de la devoción al Sagrado Corazón es difundirla y compartir Su Santo Amor. Así que aquí estoy… rogando al Cielo no decepcionar a mi Señor.

Deseando que muchos otros sientan esta misma locura que yo.
¡Loca por Su amor!

La imagen de la Virgen plasmada en este lienzo salvó literalmente de la muerte a una japonesa, que veía abocada su vida al suicidio. La belleza de María la rescató, por lo que años después quiso venir a España para verla, aunque no estaba expuesta.

El Murillo que salvó la vida a una japonesa

¿Para qué sirve el arte?, se han preguntado muchos críticos a lo largo de la Historia. Hay quienes creen que para nada y que ahí reside precisamente su importancia. Pero, lejos de explicaciones tan filosóficas, las hay mucho más románticas. En 1817 Stendhal visitó la Santa Croce de Florencia. «Me latía el corazón, la vida estaba agotada en mí, andaba con miedo a caerme», relataba el escritor. Sufrió el que se conoce desde entonces como Síndrome de Stendhal, aquel que puede padecer una persona tras exponerse en exceso a obras de arte especialmente hermosas. Suele ocurrir paseando por Florencia, por Roma… salvo que te llames Jep Gambardella y seas inmune a la gran belleza de la Ciudad Eterna.

Pero hay historias reales que, aunque no han salido de la mente de un gran guionista, merecerían ser contadas en un libro o en la gran pantalla. Hace un par de días una mujer japonesa se acercó al Museo del Prado. Hasta ahí nada original, pues hordas de compatriotas inundan a diario la pinacoteca. Ella no se dirigió, como cabría esperar, a la sala donde cuelgan «Las Meninas» de Velázquez, ni a la que alberga «El Jardín de las Delicias» del Bosco. Puso rumbo a las salas de Murillo. Buscó y buscó un cuadro en concreto. Una «Inmaculada Concepción». Posiblemente, se toparía en su camino con la hermosísima «Inmaculada Concepción de Aranjuez» (procede de la real capilla de San Antonio, en el Palacio de Aranjuez) o con la no menos espléndida «Inmaculada Concepción de los Venerables» (fue encargada por Justino de Neve para el hospital de los Venerables de Sevilla).

Una veintena de versiones

El pintor sevillano llegó a hacer una veintena de versiones de este tema, más que ningún pintor español de su época, creando una iconografía propia del asunto con la que ganó un notable éxito: representa a la Virgen vestida de blanco y azul, con las manos juntas o cruzadas sobre el pecho, pisando la luna y mirando al cielo.

Pero, volvamos a nuestra protagonista, a la que habíamos dejado tratando de localizar el cuadro que busca con tanto ahínco: «La Inmaculada del Escorial», un gran óleo de 206 por 144 centímetros pintado por Murillo hacia 1660-1665. Es una de las versiones más emotivas que pintó en su carrera. Se cree que pudo ser adquirida en Sevilla por Carlos III, quien la incorporaría a las colecciones reales. Posiblemente, colgaría en la habitación del infante don Carlos en el Palacio Real. Ante su desconcierto, la mujer pregunta a los vigilantes de sala. Éstos le comentan que no se halla expuesta: está en el taller de marcos del edificio de Moneo, pasando una puesta a punto. La obra fue prestada al Museo de Bellas Artes de Sevilla, formando parte de la exposición central del IV centenario del nacimiento del pintor, que mantuvo sus puertas abiertas del 29 de noviembre de 2018 al pasado 17 de marzo. Y en junio viajará al Museo de Bellas Artes de Álava, en Vitoria, como parte del proyecto del bicentenario del Prado «De gira por España».

Para sorpresa de los vigilantes, la mujer llora desconsoladamente. No saben qué ocurre. «Lost in Translation», cual Bill Murray y Scarlett Johansson en la película de Sofia Coppola, que transcurre precisamente en Japón, deciden llamar a Minako Wada, restauradora de papel de la pinacoteca, que es japonesa. Acude a las salas. La mujer le explica su conmovedora historia. En 2006 viajó a Japón una muestra con 81 obras maestras del Museo del Prado, comisariada por Juan J. Luna, que fue un rotundo éxito de público: había obras del Greco, Velázquez, Ribera, Zurbarán, Murillo, Goya, Tiziano, Rubens, Van Dyck… Su primera parada fue Tokio, donde recibió más de 500.000 visitantes, y después recaló en Osaka.

Fuerte sacudida

Fue en esta ciudad donde la protagonista de nuestra historia acudió a visitar la muestra. Tras dos horas de cola, entró y pudo contemplar la «Inmaculada del Escorial», que le sacudió por dentro. Al parecer, se hallaba destrozada, porque la vida le había golpeado muy duro y ya no tenía ganas de continuar. «Si en este mundo hay cosas tan hermosas como este cuadro, merece la pena seguir viviendo», se dijo entonces.

Aquella «Inmaculada» de Murillo le produjo tal emoción que le dio fuerzas para no tirar la toalla. Trece años después, viajaba a Madrid y quería volver a ver aquel cuadro que le cambió la vida, que la salvó. De ahí su impotencia y sus lágrimas.

Miguel Falomir, director del Prado, suele pasear habitualmente por las salas del museo. Le gusta sondear las reacciones del público. Allí conoció la historia de la desconsolada japonesa, a la que, por supuesto, se permitió el acceso al taller de marcos para que volviera a ver a su salvadora. Un melodrama (¿no se quedan con ganas de saber más detalles?) con final feliz. The End.

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Fuente: Cari Filii

Durante unos 8 años estuvo en el duro régimen especial reservado para miembros del crimen organizado. Ahora está detenido en una prisión de alta seguridad en las afueras de Milán. Allí empezó a pintar. Dos de sus obras, la Anunciación y la Natividad, se han convertido en sellos de Navidad del Vaticano para la Oficina de Correos del Papa Francisco, bautizadas -hace unos días- en la prisión Ópera, en presencia, además de él, de Mauro Olivieri, director de la Oficina Filatélica y Numismática de la Ciudad del Vaticano, del arzobispo de Milán, Monseñor Mario Delpini, y del director de la prisión, Silvio Di Gregorio.

Una de sus pinturas, la del Sagrado Corazón, fue llevada a la sala de audiencias del Papa, mientras que otra obra, El árbol del conocimiento del bien y del mal, está colgada en la cárcel. Representa un árbol dividido por la mitad: por un lado, lozano y verde, por otro lado, con hojas marchitas. Pero con unos pocos brotes escasos. “Representan la esperanza”, nos dice Marcello, “porque siempre se puede renacer”.

– Usted tuvo una infancia tranquila y se educó en una escuela católica, con misa todas las mañanas. Cuando eligió unirse a la Mafia, ¿se dio cuenta de que estaba eligiendo el mal?

– Vengo de una familia numerosa: éramos ocho hijos. Mi padre, al no poder apoyarnos a todos en nuestros estudios, decidió que cuatro de nosotros, incluyéndome a mí, debíamos trabajar para dar a los cuatro restantes la oportunidad de continuar sus estudios. Había asistido, durante la escuela primaria y secundaria, a una escuela católica, y luego, a los 13 años, me vi obligado a abandonarla. Pero fue sólo después de la muerte de mi madre en 1983 cuando me vi envuelto en la oscuridad. Yo tenía 30 años y mi madre siempre había sido como una “gallina”, con nosotros los niños alrededor. Cuando murió, nos perdimos. Sentí una gran rabia, en primer lugar hacia mí mismo y me faltaban puntos de referencia. En aquellos años Catania, mi ciudad, era una sociedad opaca…

– ¿Qué es el Mal?

– Lo opuesto al bien. Pero el Mal no paga, sino que tú pagas por ellos. No conduce al futuro. En ese momento, después de todo, no pensé que tenía un mañana.

– Tienes dos hijas, ya crecidas. ¿Qué clase de padre ha sido?

– Un amigo, así como un padre. Mis hijas me contaron sus secretos de adolescentes y yo les di consejos. Están pagando por decisiones que no han tomado. Me reprocharon por haberles traicionado, pero me perdonaron. Hoy también tengo dos nietos.

– Sus pinturas se inspiran en el Jubileo de la Misericordia. ¿Por qué Dios debería tener misericordia…?

– Dios siempre tiene misericordia y perdona: es amor y luz. Somos nosotros los que no lo escuchamos y nos alejamos, él siempre está ahí para nosotros. Dios es la verdad y sabe leer dentro de nosotros: por eso durante años no soportaba entrar en la iglesia, porque no se puede rezar con el mal dentro.

– Sin embargo, la mafia está impregnada de elementos religiosos. No es casualidad que Juan Pablo II y Francisco dirigieran palabras de excomunión a la mafia. ¿Cómo es la fe cristiana para la mafia?

– Entrar en una asociación de tipo mafioso es un acto de lealtad, que se realiza a través del juramento y la llamada pungitina. Un poco como en la Confirmación donde ustedes se convierten en soldados de Cristo; con el juramento se convierten en soldados del mal. Sin embargo, la cultura y la educación tienen un papel fundamental que desempeñar; de hecho, sólo la ignorancia puede llevarnos a creer que el bien y el mal coexisten, cuando son dos fuerzas que se rechazan la una a la otra. Por lo tanto, fue justo que el Papa Francisco dijera que es absurdo creer que los que viven en la ilegalidad pueden rezar. Me refiero, evidentemente, a un contexto de hace 40 años, pero creo que, más en general, no se puede hablar de una auténtica fe cristiana por parte de los criminales, sino de una convicción alimentada por la ignorancia: uno se creía justo y pedía con demasiada facilidad el perdón de Dios por el mal cometido.

– Dios manda no matar. ¿Qué le va a decir?

– No creo que vaya a preguntarme eso, porque ya me ha perdonado. Él me acogerá como el hijo pródigo que ha regresado a la casa del Padre.

– ¿Cuál es la diferencia entre quién aprieta el gatillo y quién lo ordena?

– Ninguna.

– Tiene una cadena perpetua… ¿Qué es la libertad?

– Ya me siento libre. He tenido la oportunidad, en los últimos años, de escuchar la voz del Señor.

– ¿Tiene más remordimientos o más arrepentimiento?

– Sólo remordimiento y el único arrepentimiento es que no pude darme cuenta de que estaba cayendo en un pozo interminable. Estaba ciego y mi mente estaba en la oscuridad.

– ¿Cuándo reza usted? ¿Y cómo reza?

– El mío es un diálogo continuo con el Señor. Lo que me da alegría.

– ¿Reza por sus víctimas?

– Siempre. Rezo por todas las víctimas y por todos los difuntos, para que puedan encontrar la salvación.

– ¿Cuándo y cómo entró la fe en tu vida aquí en la cárcel?

– Era el año 2002, me encontraba en un régimen restringido de 41 bis, el de la dura prisión, cuando recibí de un amigo una postal con la imagen del Sagrado Corazón de Jesús, igual que un cuadro que estaba en lo alto del altar de la iglesia de mi escuela. Desde entonces, esa postal siempre me ha seguido de prisión en prisión. Posteriormente, durante el Jubileo de la Misericordia, el Papa Francisco también nos concedió a los prisioneros cruzar la Puerta Santa y recibir la indulgencia plenaria y con ella la certeza del perdón. Experimenté ese momento con gran intensidad, sintiendo gran alegría en mi corazón.

– ¿Alguna vez habla de la fe con otros prisioneros?

– Con algunos de ellos vivimos juntos el momento de la Misa. No hay necesidad de hablar; son experiencias personales.

– ¿Cuándo fue la última vez que lloraste?

– Dicen que cuando creces, te vuelves un poco como un niño. Así es para mí: lloro mucho, incluso delante de una película o un cuadro. No lloramos por debilidad, sino porque la belleza conmueve.

– Los cristianos saben que la absolución de los pecados presupone un arrepentimiento sincero, concreto y efectivo. Y reparación. Entonces, ¿cómo es posible que un cristiano se disocie de la mafia, pero no se “arrepienta”?

– El arrepentimiento no se trata de colaboración. La verdad y la justicia siempre están unidas, pero la justicia de los hombres es una cosa y la justicia de Dios es otra. Sigo al Divino y ya soy libre.

– Dado que después del arresto la única reparación práctica es la cooperación con el Estado, ¿cree que es posible arrepentirse sin cooperación?

– Repito, el arrepentimiento es personal. Ha habido colaboradores de la justicia que no se han arrepentido, sólo han colaborado para obtener beneficios legales. Dicho esto, si supiera que con mi silencio me hago cómplice del mal, no dudaría ni un instante en hablar.

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Fuente: Religión en Libertad

Se celebra el cuarto centenario del nacimiento de Bartolomé Esteban Murillo (1617-1682), el gran pintor de la Purísima y uno de los genios del Barroco español.

Con motivo del Año Murillo, en Sevilla se está haciendo un esfuerzo por divulgar la obra de este pintor y explicar una de sus expresiones más sublimes: las imágenes de la Inmaculada Concepción de la Virgen. En MurilloEnSevilla.com, @MiguelPerezM explica algunos hechos básicos.

Lo que Murillo innovó

Murillo cambia el estilo de representar a María triunfante que habían traído pintores anteriores a él como Pacheco o Velázquez. ¿La gran novedad? Viste a María de blanco, con una túnica sencilla e inmaculada, y le da vuelo al manto azul. De la lectura del Apocalipsis toma solo la luna bajo sus pies y, para representar aquello de que iba ‘vestida de sol’, coloca una luz anaranjada tras cada Inmaculada, prescindiendo de la corona de estrellas que sí usaron Pacheco y Velázquez.

Santa Beatriz de Silva, encerrada en el baúl por la Reina

¿En qué se basa esta representación que se hace de la Inmaculada? Para ello tenemos que conocer a Santa Beatriz de Silva (1437-1492), dama de la corte de Isabel de Portugal (esposa de Juan II de Castilla). La reina, celosa porque creía que su marido miraba a Beatriz con deseo, la encerró durante días en un baúl cerrado a cal y canto. Allí, se le apareció la Virgen para decirle que todo saldría bien, y que cuando saliera fundara una orden (las Concepcionistas). Beatriz contaría que la Virgen se le había aparecido con túnica blanca y manto azul, como luego vestirían las monjas concepcionistas, y como pinta Murillo a la madre de Cristo.

Vista de cerca, a los monjes no les gustaba

Una de las primeras Inmaculadas que pintó Murillo fue ‘La Colosal’, que por suerte conservamos en el Museo de Bellas Artes de Sevilla. Se hizo para el arco de la iglesia del Convento de San Francisco, que estaba donde hoy se abre la Plaza Nueva. Dice la tradición que cuando Murillo presentó el cuadro, a los franciscanos no le gustó demasiado. Pero Murillo sabía que su cuadro no estaba realizado para ser visto a ras de suelo. Una vez que se colocó a su altura, los monjes cambiaron su visión sobre la obra. No hay que obviar que este lienzo mide tres metros de ancho y casi cuatro y medio de alto. Por algo es ‘La Colosal’. De hecho, su tamaño fue lo que hizo que el napoleónico Mariscal Soult no pudiera llevársela durante la invasión francesa, y se quedara recluida en el Alcázar.

Las obras que devolvió Pétain a Franco

La Inmaculada llamada ‘de los Venerables’ –y mal llamada ‘de Soult’ por su expoliador– regresó a España en 1940, pero nadie desde nuestro país la había reclamado. ¿Cómo podía ser? En aquella época, Francia estaba siendo invadida por las tropas nazis, y un gobierno colaboracionista dirigido por el Mariscal Pétain se había establecido en Vichy traicionando a la república francesa. Pétain quería el apoyo de la España de Franco, y por ello se propuso como estrategia un intercambio de cuadros entre el Prado y el Louvre.

Un día de diciembre, avisaron a los encargados del Patrimonio de España que fueran a la localidad francesa de Port Bou. Para agilizar el acuerdo, Pétain mandaba a Franco la Inmaculada de los Venerables a España. Debió llegar en tren, pero las lluvias lo impidieron, por lo que fue cargada en un camión sin escolta en el que llegó hasta el lugar de la cita. Un día antes del día de la Inmaculada, el cuadro llegaba en un vagón de tren precintado a Madrid. Por cierto, un año más tarde Pétain mandaría a España otra obra maestra expoliada: la Dama de Elche.

La hija sorda y monja de Murillo

Corre desde siempre la tradición de que Murillo tomó para algunas de sus Inmaculadas rostros conocidos. Pero dentro de esas teorías, debemos detenernos en la similar faz que tienen las llamadas ‘de Walpole’ (Hermitage de San Petersburgo) y ‘del Coro o niña’ (Museo de Bellas Artes).

Aunque puede resultar a simple vista sensato decir que ambas tienen el mismo rostro, Santiago Montoto se atrevía en los años 20 a decir que ambas tuvieron como modelo a la hija de Murillo, Francisca María. La última de sus hijas, que dicen que era sorda de nacimiento, entró en el convento de Madre de Dios como monja, y decían que la añoranza del pintor de su hija fue lo que propició que le pusiera su rostro a estas dos representaciones de la Inmaculada Concepción.

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Fuente: Cari Filii

El 12 de diciembre de cada año la Iglesia Católica celebra la Fiesta de Nuestra Señora de Guadalupe. En ese día en 1531, la Virgen María se apareció a un indígena de 57 años llamado Juan Diego.

Juan Diego fue proclamado Santo por San Juan Pablo II en 2002.

En uno de sus encuentros, la Virgen María le encargó a San Juan Diego que recogiera en su tilma –una tela muy sencilla– rosas de Castilla que habían florecido a pesar del invierno para que se las presentara al Arzobispo de México, Mons. Juan de Zumárraga, como prueba de las apariciones.

Cuando Juan Diego desplegó la tilma con las rosas ante el Prelado, sobre ella estaba impresa la imagen de Nuestra Señora Guadalupe. En los siguientes siete años, más de 9 millones de aztecas se convirtieron al cristianismo.

A continuación cuatro hechos realmente asombrosos sobre la imagen de Nuestra Señora de Guadalupe:

Tiene cualidades que son imposibles de replicar humanamente

Hecha principalmente de fibras de cactus, una tilma era típicamente de muy baja calidad y tenía una superficie áspera, haciéndola muy difícil de usar, mucho menos pintar sobre ella una imagen que perdurase. Sin embargo, la imagen aún se conserva intacta y los científicos que la han estudiado insisten en que no se usó ninguna técnica previa para adecuar la superficie.

La superficie es muy suave, como la seda. La parte en donde no está la imagen sigue siendo áspera y tosca.

Más todavía. Los expertos en fotografía infrarroja que estudiaron la tilma a fines de la década de 1970 determinaron que no había trazos de pincel, dando como resultado una imagen que fue plasmada toda al mismo tiempo.

Esto, junto con una calidad iridiscente de cambiar ligeramente de colores dependiendo del ángulo en el que una persona la mira, y el hecho de que se determinó que la coloración de la imagen no tiene elementos animales o minerales (los colorantes sintéticos no existían en 1531), generan muchas más preguntas aparentemente incontestables.

La gente dice que solo es una pintura pero la ciencia ha demostrado lo contrario

Una de las primeras cosas que dicen los escépticos sobre la imagen es que de alguna forma tiene que ser una falsificación o un fraude, pero todas las veces que se hizo un intento de replicar la imagen, la original nunca parece decolorarse, mientras sus duplicados se han deteriorado en corto tiempo.

Miguel Cabrera, artista del siglo 18 que produjo tres de las copias mejor conocidas (una para el arzobispo, una para el Papa y una para él para futuras réplicas) una vez escribió sobre la dificultad de recrear la imagen incluso sobre las mejores superficies.

La tilma ha mostrado características sorprendentemente parecidas a las de un cuerpo humano

En 1979, cuando el dr. Phillip Callahan, un biofísico de la Universidad de Florida (Estados Unidos), estaba analizando la tilma usando tecnología infrarroja, descubrió que el tejido mantiene una temperatura constante de entre 36.6 y 37 grados celsius, la temperatura regular de una persona viva.

Cuando el Dr. Carlos Fernández de Castillo, médico mexicano, examinó la tilma, encontró una flor de cuatro pétalos sobre el vientre de María. Los aztecas llamaban a la flor “Nahui Ollin” y era el símbolo del sol y de la plenitud.

Después de más exámenes, el Dr. Fernández de Castillo concluyó que las dimensiones del cuerpo de Nuestra Señora en la imagen eran los de una madre por dar a luz pronto. El 12 de diciembre está muy cerca de Navidad.

Finalmente, una de las atribuciones más comunes y descubrimientos reportados es el de los ojos de la Virgen en la imagen.

El Dr. José Alte Tonsmann, un oftalmólogo peruano, estudió los ojos de la imagen de la Virgen con una magnificación de 2.500 veces y fue capaz de identificar hasta 13 individuos en ambos ojos en diferentes proporciones, así como el ojo humano reflejaría una imagen.

Parecía ser una captura del momento exacto en el que Juan Diego desplegó la tilma ante el Arzobispo Zumárraga.

Parece ser prácticamente indestructible

Dos eventos distintos han amenazado la tilma a través de los siglos. Uno de ellos ocurrió en 1785 y el otro en 1921.

En 1785 un trabajador estaba limpiando el recubrimiento de vidrio cuando accidentalmente derramó solvente de ácido nítrico sobre una gran porción de la imagen. La imagen y el resto de la tilma, que debió haberse corroído casi instantáneamente por el derrame, se auto-restauró con el paso de 30 días, y permanece intacta hasta el día de hoy, con solo unas pequeñas manchas en lugares en donde no está la imagen.

En 1921, un activista anticlerical escondió 29 varas de dinamita en un jarrón de rosas y lo puso ante la imagen dentro de la Basílica de Guadalupe.

Cuando la bomba explotó, casi todo, desde el piso y el reclinatorio de mármol voló. La destrucción alcanzó incluso a ventanas a 150 metros de distancia.

Sin embargo la imagen y el vidrio a su alrededor permanecieron intactos. El único daño que ocurrió cerca a la tilma fue en un pesado crucifijo de bronce, que terminó doblado hacia atrás.

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Fuente: aciprensa.com

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La redaccion de Reina del Cielo

Historia de un maravilloso retrato de Jesús

Bette Myers y su providencial inspiracion

A traves de Catalina Rivas, autora de varios maravillosos libros fruto de sus dialogos con el Señor, conocimos sobre este extraordinario retrato del Divino Rostro de Jesús. Ella había ido a una ciudad de Ecuador con su director espiritual, sacerdote salesiano, a dar una serie de conferencias. En un pequeño negocio contiguo al lugar donde ellos se alojaban, Catalina vio algo que le hizo lanzar un grito. ¡Allí estaba un Retrato de Jesus tal cual como ella lo ve místicamente! Ingresaron al local y preguntaron por el origen de esa obra de arte, por el autor. Allí recibieron en breves palabras parte de un relato que posteriormente, en los Estados Unidos, otra persona confirmo. La historia es la que aquí reproducimos en boca de la propia artista que pinto tal maravilla. De allí en mas, esta imagen acompaña a Catalina a todo lugar, como lo hace con nosotros. En los ojos de Jesus se ven claramente dos palomas que muestran Su union con el Espíritu Santo, en Dios Padre, Trinidad Santísima, Dios Unico y Supremo. Disfrutemos del testimonio de la autora de tan maravillosa obra de arte, Bette Myers, y veamos en ello un signo de que Jesús quiere que en estos tiempos lo conozcamos mas personalmente, adorando Su Rostro, verdadero reflejo de la Presencia Eucarística en este mundo.

Mi testimonio, Bette Myers

Era 1974 cuando tuve un ataque cardiaco masivo, el doctor dijo que yo morí, literalmente. Sin embargo les puedo decir que, honestamente, la muerte es hermosa. Fui a través de una intensamente brillante luz celestial. Mis ojos estaban muy abiertos y la calidez pasó a través de mi. No tuve dolor ni preocupaciones. ¡Realmente amé ese momento! De repente una figura vino a ubicarse frente mío, no tuve la menor duda, ¡supe de inmediato que era Jesús! El me habló de un modo amoroso con Su maravillosa voz. Tú tienes que volver, me repitió tres veces, porque yo me resistía. Vuelve y pinta tu obra maestra. Inmediatamente mis ojos se abrieron al dolor de la vida. Mi doctor estaba golpeando en mi pecho, la habitación estaba llena de personal médico. Todos estaban excitados y me decían que yo no quería vivir. Yo les dije, oh si que quiero, he regresado a hacer mi obra maestra.

Esto ocurrió en el pequeño pueblo de Bonners Ferry, en Idaho. Conocía a todo el mundo allí. Diez años después, después de haber completado muchas pinturas, La Obra Maestra se formó en mis manos frente a una importante Presidenta de un banco de Arizona. Ella quería verme pintar un retrato, y vino a mi casa con solo dos horas y media para dedicarme. Saqué una pieza de tela de seis por doce pulgadas y comencé un retrato parcial. En ese momento entré en trance (n.a. como nunca había ocurrido antes y como nunca volvió a ocurrir) y Jesús se formó en un lapso de dos horas y quince minutos. ¡Un milagro! Nunca podría yo haber completado la Obra Maestra tan rápido sin error alguno. La mujer me dijo, esto es un milagro.

Charles “Chuck” Reed, mí hijo, es mi critico favorito cuando se refiere a pintura. Yo tenía el cuadro colgado en la pared. Se detuvo estático, caminó hacia atrás, luego hacia delante, y no pudo criticarle absolutamente nada. Me dijo con lágrimas en los ojos, mamá, esto es una obra maestra. En ese momento supe que había cumplido la misión que Jesús me había dado. Me sentí muy débil y pensé si ahora finalmente podría ser llevada a casa. Me di cuenta que Jesús quiere mostrarnos Su Gloriosa imagen, a todos. Estoy agradecida a quienes me ayudan a difundir esta obra maestra.

Mi testimonio, ¡Alabemos al Señor!
Con amor en Jesús
Bette Myers

Bette falleció algunos años después de pintar su Obra Maestra.